Colloque — Discours en mouvement (2019)

Dans sa présentation, Adam Kinner discutera, entre autres, de sa récente mise en scène d’une œuvre de groupe présentée au Musée d’art de Joliette intitulée Suite canadienne, a demonstration, d’après une chorégraphie antérieure de Ludmilla Chiriaeff. Ce projet s’appuie sur des recherches archivistiques sur l’histoire de la chorégraphie au Québec et sur les enjeux des danses sociales que l’œuvre originale des années 1950 a instrumentalisés dans sa revendication d’authenticité. En mettant au jour et en réinterprétant des textes et des mouvements historiques, l’œuvre de Kinner nous invite à appréhender l’histoire du Québec sous un autre angle et à repenser notre façon de performer la nation. Suivi par une conversation avec Vincent Bonin. 

Adam Kinner (Washington, D.C., 1984) est un artiste qui vit et travaille à Montréal. Ayant une formation en musique, il réalise des œuvres aux frontières de la performance, du son et des arts visuels, en collaboration avec des danseurs et des musiciens. Ses plus récents projets comprennent Instructions for a performance by Emma Goldman, une exposition à la Foreman Art Gallery tirée de ses recherches sur la bibliothèque et salle d’opéra Haskell, un édifice patrimonial situé à cheval sur la frontière entre le Canada et les États-Unis; une exposition à Artexte qui rassemble des histoires de performances nationales et personnelles, des œuvres sonores et des lectures; une performance avec huit saxophonistes au Musée d’art contemporain des Laurentides et; un projet de recherche-performance pour le OFFTA à Montréal. Il a présenté son travail à la galerie Leonard et Bina Ellen, à SBC Galerie d’art contemporain, à la Galerie de l’UQAM, au Musée McCord ainsi qu’à l’Usine C, Tangente, Studio 303 et Innovations en concert. Son travail a été exposé au Royaume-Uni, aux États-Unis, en France et en Belgique. À l’été 2017, Kinner a effectué une résidence à la Vila Sul à Salvador de Bahia, au Brésil. Il détient un diplôme de l’Université McGill et de l’Université Concordia et termine actuellement une maîtrise en beaux-arts à la School of the Art Institute de Chicago.

Depuis la fin des années 1990, les travaux et les recherches de Carola Dertnig remettent en question la canonisation des formes d’art conceptuelles et performatives d’un point de vue féministe et queer, en prenant l’actionnisme viennois comme point de départ. Présentant la recherche artistique et curatoriale qui sous-tend ses publications Let’s Twist Again (2002 à 2004) et l’exposition Mothers of Invention (2004), Dertnig déconstruira l’enjeu du statut d’auteur des œuvres de femmes actionnistes en examinant les histoires complexes des avant-gardes de la performance depuis les années 1960 avec une perspective locale, mais aussi plus large. Suivi par une conversation avec Vanessa Parent. 

Carola Dertnig est une artiste intéressée par le renversement et la réécriture de l’histoire de la performance artistique via des stratégies empruntées au révisionnisme historique féministe, dont la reconceptualisation imaginative et les interventions performatives au moyen de documentation existante. Dertnig vit et travaille actuellement à Vienne. Depuis 2006, elle est professeure d’arts performatifs à l’Université des beaux-arts de Vienne. Elle a également été professeure invitée au Cal ARTS de Los Angeles. Le travail de Dertnig a été présenté dans plusieurs institutions muséales dont le PS1 Contemporary Art Center, Artists Space et le Museum of Modern Art à New York et la Secession et le MUMOK à Vienne. Dertnig a publié Let’s Twist Again: If You Can’t Think It, Dance it. Performance in Vienna from 1960 until Today (co-dirigé avec Stefanie Seibold) en 2006 et Performing the Sentence. Views on Research and Teaching in Performance Art (co-dirigé avec Felicitas Thun), publié par Sternberg Press en 2013.

Par l’emprunt d’éléments de la mascarade comme l’imitation, la participation du public, les propos à teneur politique et la performance, l’œuvre d’Anique Jordan vise à incarner, perturber et brouiller l’archive. À travers ses projets récents — tels que Mas’, un cortège funèbre orchestré par un DJ, Evidence, qui relate par le son un procès pour meurtre tenu à Toronto en 1894, et la série photographique ban’ yuh belly, qui documente la violence structurelle au sein de communautés racialisées de Toronto —, Anique Jordan présentera ses dernières recherches archivistiques et examinera comment la performance, l’autoportrait et les processus collectifs réunissent le passé et le futur dans l’instant présent. Suivi par une conversation avec Joana Joachim.

Anique Jordan est une artiste, auteure et commissaire qui aborde la question des possibilités dans tout ce qu’elle crée. En tant qu’artiste, elle travaille la photographie, la sculpture et la performance et a régulièrement recours à la théorie de l’hantologie pour défier les récits historiques et créer ce qu’elle définit comme des images impossibles. Jordan a présenté sa pratique en tant qu’artiste et commissaire impliquée dans sa communauté à l’Université Harvard à titre de conférencière canadienne invitée pour l’année 2017 et dans de nombreuses institutions à travers les Amériques. En 2017, elle a co-commissarié l’exposition Every. Now. Then: Reframing Nationhood au Musée des beaux-arts de l’Ontario. Ses œuvres ont été exposées dans des galeries et musées tels que la Galerie de l’Université York, la Art Gallery de Guelph, la Doris McCarthy Gallery, la Wedge Collection, le musée des beaux-arts de Windsor, la Gallery 44 et Y+ Contemporary. Elle a reçu de nombreux prix et bourses, incluant le prix de l’artiste émergent de l’année de la Toronto Arts Foundation en 2017. Cette année, Jordan a effectué une résidence d’artiste à la Osgoode Hall Law School et obtenu le prix de l’artiste émergent de la Fondation Hnatyshyn. Ses œuvres se retrouvent dans des collections publiques et privées à l’échelle nationale.

Sarah Chouinard-Poirier est une artiste multidisciplinaire basée à Montréal. Elle élabore des performances à contenu où la présence, le geste, la parole, l’objet et parfois les technologies concourent à créer une expérience radicale et une mythologie féministe et résistante. Ses recherches actuelles se situent au niveau du corps et de son écriture dans l’espace, de la narrativité de l’action et de l’image et de l’oralité performative. Elle s’intéresse à la représentativité des personnes et des populations marginalisées, aux pratiques relationnelles, à l’éthique du soin et à la transmission et à la réappropriation des récits par les individu.e.s et les communautés. Elle partage actuellement sa vie entre la création artistique, le travail culturel (Volte 21) et la relation d’aide (La Rue des Femmes de Montréal).

Yen-Chao Lin 林延昭 est une artiste multidisciplinaire montréalaise. Sa pratique propose un commentaire sur l’impermanence de l’existence et aborde les arts divinatoires, la religion populaire, l’écologie et la permaculture humaine par l’entremise du jeu intuitif, de la collaboration et de la collection. Se décrivant comme une archiviste postmoderne et adepte d’histoire naturelle, elle est une collectionneuse passionnée d’objets divers, des dossiers familiaux retrouvés aux spécimens biologiques et documents éphémères de l’ère victorienne. Ses œuvres ont notamment été présentées à la Berlinale (Berlin), à articule (Montréal), à Art Metropole (Toronto), au Festival du nouveau cinéma (Montréal), à OBORO (Montréal) et à SBC Galerie d’art contemporain (Montréal). Yen-Chao agit également à titre de programmatrice et conceptrice d’exposition pour Atelier Céladon.

Danielle St-Amour est une artiste, écrivaine et commissaire. Elle a entre autres conçu des expositions de recherche pour SBC Galerie d’art contemporain à Montréal (2019) et la Walter Phillips Gallery au Banff Centre en Alberta (2014). Elle a été directrice de Art Metropole à Toronto de 2016 à 2018. De 2014 à 2018, St-Amour a été membre du comité consultatif de rédaction de C Magazine, dont elle a dirigé le numéro Poetry en 2016. St-Amour a cofondé la publication critique REARVIEWS, une plate-forme de révision de critiques d’exposition (2011-2015), ainsi que l’espace d’exposition WWTWO à Montréal (2011-2013). De 2008 à 2013, elle a été membre du collectif d’édition expérimentale palimpsest. Depuis 2009, elle expose, donne des conférences, anime des ateliers et publie des articles à l’échelle nationale et internationale.

Tanya Lukin Linklater lira un extrait de son recueil de poèmes Slow Scrape, à paraître dans la série Documents du Centre for Expanded Poetics and Anteism, à Montréal (2020). Son premier livre se situe dans les interstices entre la performance, le corps, la mémoire et la relationnalité. Suivi par une conversation avec Robin Simpson. 

Tanya Lukin Linklater conçoit majoritairement des performances avec des danseurs et parfois avec des compositeurs / musiciens. Ces performances sont créées en relation avec des objets dans l’exposition, des partitions, des biens culturels ainsi que la structure du musée, allant vers des atmosphères qui altèrent l’espace ou, potentiellement, le spectateur. Son travail est centré sur la production de savoirs à travers l’oralité, la conversation et les pratiques incarnées, dont la danse. En considérant les histoires qui affectent les vies, les terres et les valeurs des peuples autochtones, elle se consacre à la résistance. Son travail est actuellement présenté à la Biennale d’architecture de Chicago 2019, intitulée …and other such stories, et au sein de l’exposition Soft Power du SFMOMA, organisée Eungie Joo, conservatrice de l’art contemporain. Son nouveau recueil de poésie Slow Scrape sera publié dans la série Documents du Centre for Expanded Poetics and Anteism de Montréal. Tanya a étudié à l’Université de l’Alberta (maîtrise en éducation) et à l’Université Stanford (Baccalauréat ès arts avec mention d’honneur). Elle est à présent candidate au doctorat en études culturelles à l’Université Queen’s.

Sylvette Babin et Paul Couillard discuteront de la façon dont l’écriture et le travail d’édition ont influencé leur pensée ainsi que leur pratique dans le domaine de la performance. La discussion permettra d’explorer des questions sur la manière dont les publications et les écrits des artistes de la performance sont aussi des lieux de production, de recherche et de manifestations, qui changent et élargissent continuellement la perception du domaine.

Paul Couillard travaille comme artiste, commissaire et théoricien de la performance depuis 1985. Il a créé plus de 200 œuvres de performance en solo ou collaboratives dans 26 pays, travaillant souvent avec son partenaire Ed Johnson. Couillard a été commissaire de l’art performance pour Fado Performance Inc. depuis ses débuts en 1993 jusqu’en 2007 et est également membre fondateur et co-commissaire du 7a*11d International Performance Art Festival à Toronto. Il dirige la série de publications Canadian Performance Art Legends de Fado, consacrée à des artistes majeurs de la performance au Canada. Ses recherches actuelles sont centrées sur une récupération théorique de la notion de présence en tant que relativité intra-active et signification partagée.

Sylvette Babin est titulaire d’un Master of Fine Arts (Open Media) de l’Université Concordia. Sa pratique artistique en performance l’a menée à participer à plusieurs événements au Canada et dans une vingtaine de villes en Europe, en Asie et en Amérique latine. Membre du comité de rédaction de la revue esse depuis plus de 20 ans, elle agit à titre de directrice depuis 2002. Elle a publié des articles dans des revues, des catalogues et des livres d’artistes, et a été commissaire des évènements Les Convertibles produit par Culture pour tous (2006), Infraction 08 (Sète, France, 2008) et Il Nostro Gusto (Triennale Orange, Saint-Hyacinthe, 2009). Elle a également enseigné en art et théâtre urbain au Collège Shawinigan et en arts visuels et médiatiques au Cégep de Saint-Hyacinthe. Sylvette Babin a siégé à plusieurs reprises sur des comités de pairs, notamment au sein du Conseil des arts, du Fonds de recherche du Québec – Société et culture et pour des centres de création et diffusion et a participé à différents comités de consultation.